Río de Janeiro construye la 'Ciudad del rock'

Río de Janeiro comenzó las obras del festival Rock in Rio 2011, cuyo recinto será aprovechado como espacio de ocio en los Juegos Olímpicos de 2016.
El recinto del festival será construido en las afueras de la ciudad y ocupará una superficie de 250.000 metros cuadrados, equipados con instalaciones deportivas y de ocio que deberán servir como villa olímpica para los atletas en 2016. el espectador

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Movimiento de la Nueva Trova

La idea de realizar esta serie de conciertos surgió en septiembre pasado, después de que Rodríguez actuara en el barrio habanero de "La Corbata", a petición de un policía que trabajaba allí y que lo invitó a acercar "la cultura" a la gente de la zona.
Posteriormente, el propio trovador declaró que se le ocurrió continuar esos conciertos en distintos barrios "un poquito apartados" y "con sus características", en los "huecos" que quedaran en su agenda.
Rodríguez, considerado la figura más emblemática del Movimiento de la Nueva Trova en la isla junto a Pablo Milanés, da continuidad con esta iniciativa a la experiencia social que realizó en 2008, cuando lideró una gira de artistas por varias cárceles cubanas que duró cuatro meses.el espectador

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El autor de canciones como "Ojalá" y "Cita con ángeles"

El autor de canciones como "Ojalá" y "Cita con ángeles" subió a un improvisado escenario en medio de la calle acompañado por los trovadores Vicente Feliú y Eduardo Sosa, el Trio Trovarroco, y los instrumentistas Niurka González, Oliver Valdés y Víctor Pellegrini.
Según la web oficial Cubadebate, está previsto que Rodríguez realice dos o tres conciertos similares al mes, y para mañana domingo se espera otra presentación en un barrio de la periferia de La Habana conocido como "La Güinera". el tiempo


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Juanes presentó P.A.R.C.E

Con una presentación íntima ante la prensa internacional y 1.000 de sus fans, Juanes presentó mundialmente anoche en Nueva York su último disco P.A.R.C.E. 

Con la sencillez y candidez que lo han caracterizado desde el inicio de su carrera, el colombiano deleitó con canciones nuevas como 'Yerbatero', 'Si no regresas', 'Regalito' y 'La soledad', intercaladas con los éxitos conocidos que pusieron a cantar a todo el público como 'La camisa negra', 'Nada valgo sin tu amor', 'Fotografía' y 'A Dios le pido'. el tiempo

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'The Fame' (2008)

Si Gaga añadiera esas cinco lenguas a su nativo inglés en su próximo disco, los nuevos temas de la omnipresente cantante serían comprensibles para más de la mitad de la población mundial.

No es la primera vez que Gaga se atreve con un idioma extranjero en su trabajo. En la introducción del vídeo musical de 'Paparazzi', de su álbum 'The Fame' (2008), Gaga intercambia unas palabras en sueco con el actor Alexander Skarsgard, conocido por su papel. el tiempo


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gaga en ruso

Si puedes grabar uno de tus grandes éxitos en ruso para el próximo año, hay una multitud de jóvenes en Rusia que estará encantada de escuchar a Lady Gaga en su idioma", sugirió Simon a la cantante neoyorquina, de 24 años. 

Éste fue seguramente el mismo comentario que el reconocido representante, creador del politono, hizo a la creadora de éxitos como 'Just dance' o 'Poker face' antes de que aceptara grabar en los idiomas más hablados del mundo.  el tiempo

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El sello del 'maestro Manzanero'

El sello del 'maestro Manzanero', como se le llama, ha quedado unido de forma indeleble al amor.

En los últimos años, se ha visto a menudo ligado artísticamente a la voluptuosa cantante Susana Zabaleta, con quien compartió una gira y un disco. el tiempo

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Manzanero

Manzanero destacó su feliz infancia: "no creo que un niño en la actualidad pueda tener una vida tan llena de magia, de perfume y de esencia como yo la tuve".

El cantautor se declaró asimismo orgulloso de sus hijos. "Es la única cosa que hago perfecta (...), los amo con toda mi alma y procuro darles lo mejor de mí", apuntó.

El artista nacido en Yucatán -un origen por el que siempre muestra su orgullo- ha sido autor de algunas de las canciones más bellas de la música mexicana en las últimas décadas, como 'Somos novios' y 'Esta tarde vi llover'. el tiempo

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Armando Manzanero se retirará

El cantante y compositor mexicano Armando Manzanero cumple hoy, 7 de diciembre, 75 años en una vida plena de éxitos y con la promesa de aguantar un año más sobre los escenarios, según unas declaraciones publicadas por el diario Reforma.

"El próximo año será el último que haré giras. Desde el 57 he trabajado, primero como pianista y luego en mis 'shows', y ya quiero estar más relajado, disfrutar un poco de lo que he logrado", dijo.

Manzanero espera también dedicar tiempo a la Sociedad de Autores y Compositores de México (SACM), que dirige.el tiempo

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Green Day cerró con broche de oro el Festival Nem- Catacoa

Desde el siglo VI a.C. hasta la Conquista, los muiscas le rindieron culto a este dios, en sus dominios en la región cundiboyacenses. Este fin de semana, el nombre de Nem-Catacoa será recordado en el festival que lleva su nombre, y habrá música con invitados nacionales e internacionales, exposiciones artísticas, mercado de las pulgas y práctica de deportes extremos, como el canopy. Serán dos jornadas: el sábado 9 de octubre y el domingo 10, en el Polo Club, en Cajicá, en el km. 3 de la vía a Tabio, de 12:00 m. a 3:00 a.m. En el Polo Club los asistentes podrán contar con servicio de parqueadero, así como con plazoleta de comidas y bebidas. A Cajicá se llega saliendo por la Autopista Norte. Si va en carro particular, el lugar dispone de parqueaderos. Quienes no deseen llevar sus vehículos podrán tomar buses alquilados por los organizadores del evento, que saldrán del Centro Comercial los Héroes (carrera 19A No. 78-99) y de la calle 170 con la Autopista Norte, a partir de las 10 de la mañana del sábado y del domingo. Valor: 11.000 pesos, la tarifa incluye ida y regreso. Más invitados nacionales Otros artistas nacionales que tendrán espacio en el Festival Nem-Catacoa son: Retrovisor, Cobra Starship, Naki, La República, Makintouch, LSCFJ, Troyans, Radio Rebelde, Grafton Primary, Young Empiries, The Mills, V For Volume, Camo, Galeano, Remaj7, Met, The Hall Effect, 3 De Corazón y De Juepuchas. Habrá tres escenarios: Zipa, Zaque y Maloka. Vea en Vive.in un video con el montaje del Festival, en Cajicá. el tiempo

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Falleció el músico Solomon Burke, uno de los íconos del soul

Dejó atrás un legado musical de 35 álbumes y más de 17 millones de copias de discos vendidos.
El músico estadounidense Solomon Burke, conocido como 'el rey del rock and soul', murió ayer a los 70 años en el aeropuerto de Schiphol de Ámsterdam (Holanda). Burke (que nació en Philadelphia en 1940) falleció por causas naturales a la llegada de un vuelo procedente de Los Ángeles (EE. UU.) a la capital holandesa, donde iba a ofrecer un concierto mañana junto a la banda holandesa de rock De Dijk. La estrella del soul es conocido por la canción Everybody Needs Somebody to Love, tema emblemático de la película Blues Brothers, estrenada en 1980. Burke es considerado uno de los padrinos del soul junto a Ray Charles y Sam Cooke en los años 50, época en la que estos artistas transgredieron las reglas que separaban el gospel del rhythm and blues. El músico deja atrás un legado musical de 35 álbumes y más de 17 millones de copias de discos vendidos. Uno de sus mayores admiradores fue el papa Juan Pablo II, quien le invitó a actuar en varias ocasiones en el Vaticano. Burke también ejerció como predicador y líder de una iglesia estadounidense en paralelo a su recorrido artístico. El artista tenía 21 hijos, 90 nietos y 19 bisnietos, según su biografía oficial en su página web. el tiempo

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Maná romperá cuatro años de silencio con 'Drama y luz'

El nuevo trabajo del grupo mexicano estará a la venta el próximo 7 diciembre.
"Esto de hacer un nuevo disco es divertido y apasionante", expresó en un comunicado de prensa Fher Olvera, vocalista de Maná, quien considera que grabar nuevo material los "hace sentir vivos". Este regreso musical, según señaló en la misma nota el baterista Alex González, viene acompañado de "una gran inspiración musical" que demostrarán dejándose llevar "por lo que manda el corazón". Como se anticipó, Maná ha puesto online detalles y fotos sobre la grabación de 'Drama y luz' a través de su blog (vea aquí el adelanto). El nuevo trabajo de estudio, que se empezó a grabar en mayo pasado en Puerto Vallarta (Jalisco, México) y Los Ángeles (EE. UU), ha sido producido por Fher, Alex González; y Sergio Vallín, guitarrista de esta agrupación formada a finales de los años 80 en la ciudad de Guadalajara. Entre las colaboraciones para 'Drama y luz', destaca la participación de la Orquesta Filarmónica de Suzie Katayama, quien ha trabajado con artistas como Madonna, Prince, Nirvana y Aerosmith. Según Warner Music, su sello discográfico, Maná ha vendido más de 22 millones discos a lo largo de su carrera y hasta el momento han conseguido 119 Discos de Oro y 224 Discos de Platino; además, durante la gira 'Amar es combatir tour', el grupo vendió dos millones de entradas. el tiempo

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Su disco más reciente es ‘Emotion & Commotion’, ¿cómo fue el regreso a los estudios de grabación?

Harvey Goldsmith, mi mánager, me dijo que tenía que volver al estudio, así que no tuve mayor elección. Pero para ser honesto, era el momento justo para hacer un álbum y amé trabajar con la orquesta, los invitados y el productor Steve Lipson. el espectador

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Jeff Beck no es un rockero

No es gratuito que grandes guitarristas contemporáneos, tanto del rock como del jazz y el blues, lo tengan como un músico de culto. Sin embargo, la suerte que ha tenido como artista de sesión al lado de Mick Jagger, Rod Stewart y B. B. King, no ha sido idéntica al reconocimiento en el ámbito comercial. Jeff Beck no es un rockero que se caracterice por sus millonarias ventas, pero tiene un séquito impresionante que lo respalda.
Hace poco presentó su álbum Emotion & Commotion, en el que invitó a Joss Stone y Olivia Safe. En menos de una semana, Beck estará en Colombia para interpretar sus nuevas canciones y sus éxitos de siempre.el espectador

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The Yardbirds

Ese ingenio, sumado a las condiciones que mostraba en la ejecución de las cuerdas, hicieron que él fuera, junto a personajes como Eric Clapton y Jimmy Page, figura emblemática de la superbanda The Yardbirds, una de las primeras agrupaciones en evidenciar los lazos fraternales entre el blues y el rock. En esa tarea Beck tuvo mucho que ver, pues su aparición motivó el surgimiento de grupos dedicados al heavy metal respaldados por los efectos de sonido, pero también despejó el camino de aquellos músicos blancos que vieron en el blues su conducto de expresión. el espéctador
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Radar

La edición de su segundo trabajo, "Radar" (1994), cerró su primera etapa en Uruguay, antes de cruzar el charco e instalarse en España donde grabó su tercer álbum "Vaivén" (1996), con colaboraciones de Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute y Javier Álvarez.. A partir de ahí, se establece en Madrid desde donde continúa editando sus discos hasta el día de hoy, acumulando ya 10 discos originales además de varias re-ediciones (ver discografía más abajo). Además ha mantenido una intensísima agenda de conciertos, presentando sus últimos discos en diferentes formatos en 16 países. el tiempo


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Drexler

Artistas tan dispares como Mercedes Sosa, Shakira, Omara Portuondo, Ana Belén, Víctor Manuel, Neneh Cherry, Pablo Milanés, Ketama, Miguel Ríos, Ana Torroja, Sole Giménez, David Broza, Rosario, Jovanotti, María Rita, Simone, Zelia Duncan, Paulinho Moska, Jaime Roos, Adriana Varela o Bajofondo Tango Club han grabado canciones de Jorge Drexler en sus discos.
A mediados de 1989 empezó a escribir canciones y en 1992 editó su primer disco, "La luz que sabe robar". Ese mismo año se licenció como médico en la Universidad de la República Oriental del Uruguay. el tiempo


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Jorge Drexler en concierto

Desde el 3 de julio pasado, Jorge Drexler, cantautor uruguayo, estaba en deuda con algunos seguidores colombianos. Ese día no hubo silla para todos en el Teatro Mayor del Centro Cultural Julio Mario Santo Domingo, donde se presentó.

Dijo que volvería, y el jueves 2 de diciembre Drexler cantará de nuevo en el teatro de la calle 170. Drexler viene con 'Amar la trama', su nuevo disco, lanzado el 14 de abril pasado en Las Palmas de Gran Canaria (España).

En el trabajo se incluyen temas como Tres mil millones de latidos, La trama y el desenlace, Las transeúntes, La nieve en la bola de nieve y Toque de queda. En el 2005, Jorge Drexler ganó el premio Óscar por Mejor Canción Original, por 'Al otro lado del río'.El tiempo

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Los Vivancos, apasionados

Las seguidoras de Los Vivancos, o por lo menos aquellas que van a sus espectáculos, graban videos y suben fragmentos a YouTube, siempre escogen las mismas imágenes para mostrar lo buena que resulta su presentación: los siete jóvenes hermanos bailan sin camisa o con un chaleco abierto y sin nada debajo, evidenciando sus torsos y sus brazos, perfectamente delineados.
Pero Elías Vivancos, el mayor de ellos, asegura que hay más en su puesta en escena -"es de hora y media, y solamente hay un número en el que nos quitamos la camisa"-, aunque reconoce que en ese momento siempre reciben "ovaciones".  "Al público le gusta. Tiene un peso erótico únicamente en el sentido de que el flamenco es un arte pasional. Somos siete hombres bailando flamenco y eso lo hace erótico", comenta desde Madrid acerca del espectáculo '7 hermanos', que se presenta en Bogotá dentro del Festival Arteria Flamenco -producido por el Festival Iberoamericano de Teatro-, y en Medellín. El Tiempo

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Vicente Amigo, en la línea de Paco de Lucía

Considerado uno de los mejores guitarristas flamencos, el sevillano Vicente Amigo comenzó su carrera de la mano de Juan Muñoz, 'el Tomate' -con quien hizo sus primeras giras, a los 15 años-, Merengue de Córdoba y Manolo Sanlúcar.
Hace casi 20 años publicó su primer disco, 'De mi corazón al aire' y con él inició la renovación de la guitarra flamenca. Trabajó con Camarón de la Isla en su álbum 'Soy gitano' (1989) y con Paco de Lucía, a quien llama su "maestro".Por eso, evade las comparaciones, aunque la prensa suele llamarlo "su sucesor".
Además, ha explorado la poesía a través de la obra de Federico García Lorca. En su reciente trabajo,  'Paseo de gracia', amplió su espacio al trabajar con artistas como Alejandro Sanz. Vicente Amigo tiene hoy 43 años. Desde los 15 empezó a figurar en la escena flamenca. El Tiempo

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Carmen Linares, la gran cantaora

Gracias a su poderosa voz, Carmen Linares es una de las grandes del flamenco mundial. No sólo es una cantaora que ha llegado a los escenarios más importantes, como el Lincoln Center -invitada por la Orquesta Filarmónica de Nueva York para interpretar    El amor brujo -, sino que es una conocedora, como pocas, de la canción tradicional española y de los estilos flamencos.
Esta andaluza, de 59 años, llega a Bogotá con  Popular y jondo, un recorrido por el folclor de su tierra, en el que estará acompañada por diez músicos, entre coristas e intérpretes de guitarra, contrabajo, flauta traversa, violín y percusión, palmas incluidas.
Dentro de su discografía se destacan 'Antología de la mujer en el cante'(1996),  'Un ramito de locura'  (2002), candidato a mejor álbum flamenco en los Grammy Latinos;  'Raíces y alas', alrededor de poemas de Juan Ramón Jiménez y con el que ganó el premio a mejor álbum flamenco en el 2008,  y 'Locura de brisa y trino', en el que el compositor y  guitarrista Manolo Sanlúcar eligió su cante para recuperar poemas de Federico García Lorca.
Linares, nacida en 1951 en la provincia de Jaén, también ha actuado en zarzuela y en teatro, y ha acompañado a agrupaciones de cámara. El Tiempo

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Por quinta vez el galardón de vallenato

Los Premios Grammy Latinos de hoy definirán, además de la suerte de los nominados colombianos en géneros diversos (ver recuadros), el nombre del quinto ganador de la 'categoría vallenata' entre Diomedes Díaz, Poncho Zuleta, Ómar Geles, El Binomio de Oro y Jorge Oñate.

Son cinco años de lecciones en esta categoría, que les dio ventaja a los vallenatos sobre otros ritmos.

El aprendizaje también se sintió dentro de Laras (Academia Latina de la Grabación). Gabriel Abaroa, su presidente, dice que la categoría suscitó peticiones de nuevos galardones: "Al crearla, Brasil solicitó revisar sus categorías, se habló de música romántica y de tropical tradicional y tropical contemporánea brasileña. Decían: ¿Por qué Colombia sí y nosotros no?"

"Además, aprendimos cómo proponer y presentar una categoría a la comunidad artística que la representa -añadió Abaroa-. La de vallenato y cumbia se creó dentro de las reuniones del Grammy, sin viajar a Colombia. En un momento se tenía la categoría, pero en Colombia no se sabía lo que representaba. Hubo que venderla a posteriori". El tiempo

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Brentano

Brentano, Como solistas de piano vendrán Frederic Chiu (EE. UU.), Anton Nel (Sudáfrica) y Ángela Cheng (Canadá); las arpistas María Luisa Rayán (Argentina) y Elizabeth Hainen (EE. UU.) y el flautista colombiano Gabriel Ahumada. 

Se destaca de esta versión una amplia apertura al canto lírico: figuran las sopranos Yulia Van Doren (Rusia), Dawn Upshaw (EE. UU.), la mezzosoprano Paula Murrihy (Irlanda), el bajo barítono Christopheren Nomura (EE. UU.) y el tenor colombiano Hans Mogollón, además del Coro de la Ópera. La batuta de la City of London Sinfonia estará en manos del británico Stephen Layton, y del colombiano Alejandro Posada.El tiempo


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Cartagena ya alista su festival de música

Con una amplia renovación del cartel de artistas invitados, se realizará entre el 6 y el 15 de enero del 2011 la quinta edición del Festival Internacional de Música de Cartagena.
 

Como invitados destacados están el clavecinista Stephan Farr (Reino Unido) y los violinistas Arnaud Sussmann (Francia), Jennifer Frautschi (EE. UU.), Ruggero Allifranchini (Italia) y Elina Vähälä (Finlandia).
 

Además, los violistas Roberto Díaz (Chile) y Nicole Divall (Australia), y los chelistas Gary Hoffman (EE. UU) y Kristina Reiko Cooper (Israel, EE. UU.), quien ya había sido sensación en una anterior edición del festival. El teimpo

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Un artista encantado con nuestro país

Von Uckermann afirmó que a raíz de su experiencia cuando grabó la serie 'Kdabra', Colombia le había gustado tanto que tranquilamente se mudaría a vivir aquí.

Sobre las reacciones del público, que encuentra diferencias en sus nuevas canciones, dijo: "Cuando entregas algo natural, algo que sientes y es tu esencia, la gente lo siente y lo vive contigo. En este disco estoy plasmando lo que soy y es el comienzo de una evolución". El tiempo

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Lo nuevo de Christopher von Uckermann

Para el actor y cantante hubiera sido más fácil seguir con la música que lo hizo famoso en RBD, dedicarse a escribir letras para enamorar jovencitas o seguir en telenovelas y hacer la carrera de galán. Pero a sus 24 años, el artista mexicano debuta como solista con un disco, 'Somos', en el que rompe con su música de antes. Y a las telenovelas también les dijo: No más. El álbum sale a la venta el 20 de noviembre. El tiempo


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Otros premiso postumos

En tanto, la artista argentina Mercedes Sosa, fallecida en octubre de 2009, recibió el premio Gardel al Mejor Álbum Artista Femenina de Folklore por su álbum 'Cantora' y otro al mejor DVD.El tiempo


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Historia de fuerza natural

Fuerza Natural', editado en 2009, fue nominado para competir en las categorías  de Mejor álbum de rock y Mejor diseño de empaque, en tanto que su tema 'Déjà vu' lo hará en el rubro Mejor canción de rock de los premios Grammy Latino que se otorgarán el 11 de noviembre en Estados Unidos.

Tras ser disuelto el grupo Soda Stereo en 1997, Cerati inició una exitosa carrera como solista, aunque en 2007 la banda volvió a reunirse sólo para hacer una serie de masivas presentaciones en varios países de América latina.El tiempo

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'Fuerza Natural'

'Fuerza Natural', que fue premiado con el Gardel al Mejor Disco Artista de Rock y recibió otras distinciones por la canción 'Déjà vu', que se ubicó primera en los rankings de ventas de Argentina, México, Colombia, Chile y fue el disco más vendido de iTunes latino en la semana de su debut.

El cantante y compositor de la mítica banda Soda Stereo, de 51 años, sufrió el 16 de mayo un accidente cerebrovascular en Caracas, y el 7 de junio fue trasladado a Buenos Aires. Desde entonces, permanece en coma y hospitalizado.El tiempo

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Premio Gardel de Oro a Cerati

El músico Gustavo Cerati fue consagrado con el Gardel de Oro 2010, el máximo premio de la música argentina, por su álbum 'Fuerza Natural', que presentaba en una gira cuando sufrió, en mayo, un accidente cerebrovascular en Caracas por el que sigue en coma.

"Los artistas más premiados en esta edición de los premios Gardel fueron Gustavo Cerati (7 estatuillas) y Mercedes Sosa (2 estatuillas)", precisó en un comunicado la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF) que otorga anualmente la distinción a la música.El tiempo

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Habla residente

Es medio halago y medio confuso también, está chévere que consideren tu opinión, es un rol que estoy asumiendo porque quiero, porque no gano nada, al revés, se me ha hecho mucho más difícil, el asumir posturas políticas...", explicó.

Residente negó ser "un salvador" y apuntó que sólo intenta llamar la atención sobre algunas causas a través de conexiones con lo que hace Calle 13.

El dúo, que completa Eduardo Cabrera, "Visitante", se mostró orgulloso de su cuarto disco, que lanzarán a finales de este mes y al que definieron como más complejo musicalmente que sus anteriores trabajos.

"Entren los que quieran" cuenta con colaboraciones como las de Omar Rodríguez (Mars Volta), la peruana Susana Baca y la brasileña María Rita, entre otros.

Aunque la gira no comienza hasta enero, ofrecerán un concierto el día 29 en el Teatro Metropolitan de la capital mexicana, justo cuando cumplen cinco años en la música.

"Residente también respondió a la pregunta de si tenían pensado llevar más allá la oferta de su canción "Vamo' a portarnos mal" de hacer perder la virginidad a la cantante británica Susan Boyle.El tiempo

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Blind Willie Johnson

"Blind" Willie Johnson (1897-1945) fue un cantante y guitarrista afroamericano cuyo estilo musical combinó tanto el blues como los espirituales; así mismo, en sus letras se pueden encontrar elementos sacros y de blues tradicional. Entre los músicos, es considerado como uno de los mejores intérpretes de la slide guitar, así como una de las personalidades más reverenciadas de la música gospel en el periodo de la Gran depresión. Su música se caracteriza por el sonido profundo, similar al de un bajo, que producen sus pulgares y su voz. wikipedia

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Blind Lemon Jefferson

"Blind" Lemon Jefferson (Couchman, Texas, septiembre de 1893 – Chicago, diciembre de 1929) fue un influyente cantante y guitarrista de blues rural, uno de los más populares durante los años 20. Su canción más conocida es "The Black Snake Moan".
A pesar de su éxito comercial, Jefferson era un artista único en su categoría. Su estilo musical era muy intenso e individualista, guardando pocas semejanzas con el típico blues de Texas de los años 30. Su canto y acompañamiento a la guitarra dan la impresión de fluir independientemente y de forma improvisada. Su irregular estilo vocal y sus ritmos derivados de los cantos de trabajo creaban una tensión entre la voz y la guitarra altamente imprevisible. No fue tan influyente en cantantes de blues más jóvenes como otros artistas del mismo éxito comercial, quienes sí fueron largamente imitados.
Nacido ciego (de ahí su apelativo de blind), sus primeras actuaciones profesionales tuvieron lugar en Wortham, Texas, hacia 1911-1912. Se trasladó en 1917 a Dallas donde se hizo popular en ambientes problemáticos y conoció a Huddie Leadbetter. Recorrió los estados de Mississippi y Alabama, donde se le recordó cantando en diversas poblaciones.
En 1926 empezó a grabar en Chicago, a donde se había trasladado un año antes. Su último disco lo grabó en 1929. wikipedia

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Skip James

Nehemiah Curtis "Skip" James (21 de junio de 1902 – 3 de octubre de 1969) fue cantante, guitarrista, pianista y compositor de blues norteamericano.El sonido de Skip James era único y aunque su influencia se deja notar en otros músicos de blues, siendo Robert Johnson el más notable, pocos han sido capaces de recrear su estilo. Su aguda voz suena frágil y como si fuera de otro mundo, incluso en sus tempranas grabaciones. Se dice que tenía una forma de cantar propia de un predicador. James también era un dotado y original guitarrista. Usaba a menudo una afinación en Re menor abierto (Re, La, Re, Fa, La, Re) y su estilo de mano derecha sin púa era rápido y límpio. Usaba el registro completo del instrumento, creando líneas de bajo hipnóticas.Skip James es frecuentemente tratado como uno de los máximos exponentes de la Escuela de Blues de Bentonia. Tradición continuada posteriormente por el guitarrista y cantante Jack Owens. Otros estudiosos niegan que exista tal escuela o tradición. En cualquier caso, James queda como uno de los intérpretes de blues más originales de todos los tiempos. wikipedia

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la repercusion del jazz

En cuanto a su repercusión pública, la subordinación de la melodía (el factor más valorado, por ejemplo, en la música pop) a la libertad creativa del artista, ha alejado históricamente al jazz de una presencia comercial masiva.
El patrón subyacente sobre el que se delinean melodías sincopadas y figuras rítmicas (frecuentemente, un ritmo aditivo)^[3] es metronómico y la organización armónica tonal emplea frecuentemente la escala del blues con fines melódicos. Son recursos habituales las blue notes, síncopas, ritmos múltiples, vibratos y glissandos. El formato de los temas de jazz es, en la mayoría de las interpretaciones, el del blues y el de la canción popular.
El jazz es habitualmente interpretado por formaciones en las que se destaca un instrumento solista (concertino) acompañado de una sección rítmica (ripieno formado por una batería, un contrabajo o bajo eléctrico y algún instrumento armónico como el piano, el banjo o la guitarra). Las formaciones pueden ser muy variables, desde solistas sin acompañamiento, tríos, cuartetos o quintetos, hasta las grandes Big Bands en las que la improvisación juega un papel secundario. wikipedia

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concepto del jazz

El jazz se caracteriza por eludir la ejecución de las interpretaciones a partir de la lectura fiel de una partitura (a pesar de que muchos músicos de jazz dominen el lenguaje musical): la base de la interpretación y el estilo jazzístico es la improvisación. En cualquier caso, exceptuando al free jazz o algunas jam session (donde suele suceder que no se trabaje sobre ningún tema ya conocido), improvisar significa que el intérprete recrea libremente el tema en cada ejecución sobre una determinada estructura armónica, ya sea en público o en un estudio de grabación: la melodía funciona como tema principal e idea para desarrollar una posible interpretación. En este sentido, la música de jazz se centra más en el intérprete que en el compositor.
La improvisación diferencia de forma primordial al jazz de otros estilos musicales de la tradición musical occidental, como la música clásica europea. En este sentido, el jazz recupera en la música occidental la improvisación como esencia musical, como existe en la mayor parte de las tradiciones musicales de origen no europeo, especialmente de los ritmos africanos, con predominio del uso de síncopas y de determinadas formaciones orquestales. wikipedia

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La palabra jazz

La palabra jazz, referida a un género musical, aparece escrita por primera vez el 6 de marzo de 1913 en el periódico San Francisco Bulletin, cuando, al reseñar el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.^[1] En estos primeros años, la forma del nombre oscila entre jaz, jas, jass, jasz o jascz, y, según Walter Kingsley, colaborador del New York Sun, "el término es de origen africano, común en la Costa del Oro africana y en las tierras del interior".^[2] No obstante, puede que fuese un término originario del minstrel o del vodevil, o incluso del mundo árabe. Varios autores han subrayado también su relación con el acto sexual en el argot norteamericano.
El primer disco en el que apareció la palabra jazz como definidora de la música en él contenida lo grabó la Original Dixieland Band en enero de 1917 en Nueva York; durante ese año, además, se popularizaría el término, que probablemente había sido ya de uso común en la lengua oral entre 1913 y 1915. wikipedia

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Música nortina

La música de las regiones nortinas del país dejan ver la rica y pesada tradición aymara que deja su impronta en la diversidad de manifestaciones musicales que podemos distinguir en esta zona.
Quizás como en ninguna otra área cultural de Chile, el sincretismo entre la tradición aymara y la religión católica se demuestra aquí en forma intensa y es así como buena parte de la música está dedicada a festividades religiosas en que se difuminan los límites entre el carnaval y la devoción popular. Es así como las mayores y mejor conocidas manifestaciones musicales son las festividades dedicadas a la Virgen del Carmen en La Tirana (Norte Grande) y a la Virgen de Andacollo (Norte Chico).

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Música folclórica de Chile

Dada su geografía y su no menos singular historia, Chile muestra en el folclor una rica diversidad musical que hace difícil y hasta controvertida su sistematización. Una posibilidad es considerar el punto de vista del enfrentamiento del fenómeno folclórico,^[1] en cuyo caso se podrían distinguir la música aborigen,^[2] la música criolla^[3] y la música de investigación folclórica^[4] Tradicionalmente, sin embargo, se ha propuesto un perspectiva geográfica que da mejor cuenta de la diversidad y que facilita el estudio y conocimiento a través de una clasificación natural. Así, podemos distinguir cuatro grandes grupos musicales que se corresponden bastante bien con las culturas que las sustentan: música nortina, música del Valle Central y música del sur de Chile

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Música planeca

La música planeca o música de arpa grande es una expresión de la cultura michoacana en México que combina la música, la danza y la poesía popular. Su ritmo es armónico, generalmente sesquiáltero, con contratiempos.
El conjunto planeco o de arpa grande se compone arpa grande de 30 cuerdas, dos violines, vihuela, y guitarra de golpe. Se usa el tamboreo sobre la caja del arpa. Fuertemente emparentado con el jarabe jalisciense, puede incluir guitarrón, tololoche (los cuales actualmente suplen a menudo al arpa) o incluso guitarra sexta. También está relacionado con el son calentano.
Su repertorio comprende el gusto, el son, la valona y el jarabe.

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Música folclórica de México

Como toda la cultura del país, la música de México es fruto del mestizaje que se dio entre las tradiciones europeas, americana y africana, entre otras. La música mexicana es sumamente variada e incluye diversos estilos determinados por la región geográfica de proveniencia, así por las diferentes épocas de desarrollo.
Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la cultura mexicana. Algunos ejemplos de canciones mexicanas famosas más allá de las fronteras del país son: "Bésame Mucho", "Cucurrucucú Paloma", "Amor, Amor, Amor", "Solamente una vez", "Somos novios", "Guadalajara", "El Rey", "Amorcito Corazón" y algunas más. Se ejecutan varios tipos de instrumentos musicales (algunos poco usados) de origen indígena (huehuetl, teponaztli) o mestizo (guitarrón, marimba), además de los europeos muy populares. wikipedia

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Marinera

Luego de la Guerra del Pacífico los peruanos llamaron marinera a la zamacueca de estilo norteño, en honor a la Marina de Guerra del Perú. La marinera denominada como marinera norteña tiene también una influencia del tondero, que es anterior a la zamacueca. Este baile seria exclusivamente peruano segun el historiador peruano Rómulo Cúneo Vidalque indica que la zamacueca era una danza de descanso, cuyo nombre provendría del quechua zawani, que significa baile del día de descanso y que zamiquiqui era el descanso campesino luego de una semana de trabajo durante el Virreinato del Perú. Sus afirmaciones se respaldan en huacos de la Cultura mochica e Inca donde el hombre tiene la mano en la cintura y la mujer la mano en la espalda y ambos sostiene un bolso o pañuelo.
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la zamacueca llega a Chile

Con el pasar de los años la zamacueca llega a Chile, transformándose en la cueca chilena. Desde Chile pasó a Argentina, donde se convertirá en sus actuales variantes, la cueca cuyana, norteña, más tarde en zamba y zamba alegre, cabe reafirmar que todas estas son variantes (o sub-géneros) de la zamacueca peruana^[1] .
A lo largo del siglo XIX la cueca también llega a Bolivia desde Arequipa (Perú), por un lado, y desde Chile, por el otro. Desde Bolivia llega al noroeste de Argentina, donde se convierte en la cueca norteña.
En Bolivia tiene dos partes iguales, mientras que en Chile tiene solo una con estructura diferente. A Chile llegó, procedente del Perú, en 1824, con elementos del Fandango, música local sobre escalas mayores europeas, mientras que en la zonas central y en la primera región, se desarrolló en tonos menores y aun bimodales. ^[2] Luego volvería al Perú, al final de la guerra contra la Confederación Perú-Boliviana (1839), con el nombre de "chilena", confundiéndose en parte con la ya existente zamacueca. Al inicio de la Guerra del Pacífico, en marzo de 1879, la zamacueca fue rebautizada por el músico peruano Abelardo Gamarra con el nombre de Marinera.[3 wikipedia

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el ritmo de la zamacueca

El ritmo se tocaba principalmente con laúd (antes de convertirse en la actual guitarra) o arpa, en donde se tamborileaba el ritmo antes de la aparicióndel ahora popularmente conocido cajón peruano.
Nota distintiva de la zamacueca, como danza, es que se baila empuñando un pañuelo blanco en la mano derecha (tanto la dama como el varón), el cual es agitado alborotadamente en el aire por sobre la altura de la cabeza y con movimientos pélvicos heredados de la cultura afro. Los máximos exponentes de dicho baile y forma musical se reunían en la afamada Fiesta de Amancaes, en donde se exponían concursos de platos típicos de distintas regiones, Caballo peruano de paso y por supuesto música criolla.
La zamacueca clásica es también conocida como canto de Jarana o marinera limeña. Se suele finalizar a manera de fuga con la conocida resbalosa. Es un género culto, limitado a una ejecución correcta solamente entre artistas de origen limeño, sobre todo criollos, mulatos y negros de familias tradicionalmente cultoras. El canto de Jarana es una forma más hispana o gitana, donde el lamento y la rebeldía son sinónimos expresivos. La forma corista y el tundete tiene una dulzura de origen africano, y el temperamento, la sátira y la ejecución de guitarra proviene del lamento gitano. wikipedia

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Zamacueca

La zamacueca un antiguo estilo musical y baile del Perú, que fue madre de la Cueca, la Zamba, y la Marinera. Sus más antiguas representaciones provienen de los siglos XVI y XVII en donde esta forma mestiza musical comienza a destacar entre los barrios de clase media, baja de los del Rímac y las fiestas de los Barrios Altos, los barrios del Callao y los bares ubicados entre los puentes, callejones y balcones limeños.
Musicalmente deriva del mestizaje o fusión de música y baile traídos por gitanos, los esclavos negros de Angola y mulatos que entre los siglos XVI y XVII conformaban gran parte de la ciudad de Lima y sobre todo la costa norte del Perú.
Continúa como un baile piurano del norte del Peru de pareja suelta, en el que se representa el asedio amoroso a una mujer por parte de un hombre. Proviene de la terminología de "zamba" y "clueca" en alusión a aquel asedio similar al que efectúan los gallos a las gallinas y saca pasos de la pelea de gallos muy popular en las fiestas Limeñas y Trujillanas durante el Virreynato del Perú. wikipedia

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Recepción

Liszt estaba preparando sus poemas sinfónicos durante un periodo de gran debate entre los músicos de Europa central y Alemania, conocido como la Guerra de los románticos. Todos admiraban la obra de Ludwig van Beethoven y un grupo conservador, incluyendo a Johannes Brahms y a miembros del Conservatorio de Leipzig, la consideraban una cima insuperable.^{[11] [19]} Richard Wagner y la Nueva Escuela Alemana (incluyendo al compositor húngaro), por el contrario, veían las innovaciones de Beethoven como un mero comienzo en la música.^{[11] [60]} Con este ambiente, Liszt previó la potencial controversia que podrían generar sus poemas sinfónicos y escribió: «El barómetro no está marcando elogios para mí en este momento. Espero un fuerte aguacero cuando aparezcan los poemas sinfónicos».^[61] Joachim estaba consternado por lo que él consideraba una falta de creatividad.^[62] El cirujano Theodor Billroth, que también era amigo musical de Johannes Brahms, escribió acerca de los poemas: «Esta mañana [Brahms] y Kirchner interpretaron los Poemas sinfónicos (sic) de Liszt a dos pianos [...], música del infierno, y ni siquiera puede ser llamada música: ¡música de papel higiénico! Al final veté a Liszt por razones médicas y nos purgamos con [el arreglo para piano de] el Sexteto para cuerdas en sol mayor de Brahms».^[63] Wagner fue más receptivo; estaba de acuerdo con la idea de unificar las artes que Liszt había asumido y lo escribió en su «Carta abierta sobre los Poemas sinfónicos de Liszt».^[59] Walker considera esta carta como el inicio de la Guerra de los románticos wikipedia

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Contenido programático

Liszt proporcionó prefacios escritos para nueve de sus poemas sinfónicos.^[56] Conocía bien la afición del público en general en unir las historias a la música instrumental. Por tanto, en un gesto previsor, dio contexto antes de que otros pudieran inventar algo en su lugar.^[57] También puede que creyera que, como muchas de estas obras estaban escritas en formas nuevas, vendría bien una pequeña explicación verbal o escrita para explicar dichas formas.^[3] Sin embargo, como el propio compositor escribió sus prefacios o programas para estas obras mucho tiempo después de componer la música, junto con la teoría de que su entonces compañera, la princesa Carolyne zu Sayn-Wittgenstein, probablemente había tenido algo que ver en su formulación, es muy posible que la posteridad haya sobrestimado la importancia del pensamiento extra musical en los poemas sinfónicos de Liszt.^[58] Tenía una visión idealizada de sus poemas sinfónicos como algo evocador en lugar de representativo.^[2] Por lo general centró más su atención en expresar ideas poéticas mediante el establecimiento de una atmósfera o estado de ánimo, evitando, por norma general, la descripción narrativa o el realismo pictórico wikipedia

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Raff

Aunque Raff fue capaz de ofrecer «sugerencias prácticas [en la orquestación] que tenían un gran valor para Liszt»,^[41] pudo haber «un malentendido fundamental» en la naturaleza de su colaboración.^[52] El compositor húngaro quería aprender más acerca de la instrumentación y reconoció la mayor experiencia de Raff en dicha área.^[52] Por tanto, le dio a Raff unos esbozos de piano para que los orquestara, al igual que había hecho anteriormente con Conradi —«para que pudiera ensayarlos, meditarlos y luego, como su confianza creció, cambiarlos».^[50] Raff no estuvo de acuerdo, ya que tenía la impresión de que Liszt quería que fuera un colaborador a tiempo completo en igualdad de condiciones.^[50] Cuando asistía a un ensayo en 1850 de Prometheus, le dijo a Bernhard Cossmann, que estaba sentado a su lado, «Escucha la instrumentación. Es mía».^[50]
Raff continuó haciendo tales afirmaciones acerca del papel que él había desempeñado en el proceso compositivo de Liszt.^[50] Algunos de estos relatos, publicados póstumamente por Die Musik en 1902 y 1903, sugieren que era un colaborador en igualdad de condiciones con Liszt.^[17] Las afirmaciones de Raff fueron apoyadas por Joachim, que había estado activo en Weimar aproximadamente en la misma época que Raff.^[50] Walker escribe que Joachim posteriormente recordó a la viuda de Raff «que había visto a Raff producir la totalidad de las partituras orquestales a partir de esbozos para piano».^[54] Joachim también contó al biógrafo de Raff, Andreas Moser, que «el Concierto para piano en mi bemol mayor fue orquestado de principio a fin por Raff».^[54] Las declaraciones de Raff y Joachim cuestionaban efectivamente la autoría de la música orquestal de Liszt, especialmente los poemas sinfónicos.^[17] Esta especulación fue rebatida cuando el compositor y estudioso de Liszt Peter Raabe comparó cuidadosamente todos los esbozos entonces conocidos de las obras orquestales del compositor húngaro con las versiones publicadas de las mismas obras.^[55] Raabe demostró que, independientemente de la posición de los primeros borradores, o de la cuantía de la ayuda que pudo haber recibido Liszt de Raff o Conradi en ese punto, cada nota de las versiones finales representaba las intenciones de Liszt. wikipedia

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Coreografía de la chacarera

Es una danza rápida de triple metro por parejas, bailada en grupos. La descripción habitual de los distintos pasos suele ser la siguiente:

• Introducción (en la que los bailarines suelen hacer palmas, después de realizar una serie de pasos libres, que simbolizan, como en todas las danzas folclóricas argentinas, el inicio del cortejo). Al comienzo de la Introducción, uno de los músicos avisa mediante el primer grito, que suele ser “¡Se va la primera!” (o simplemente “¡Primera!”) o alguna otra variante. Hay que señalar que, por el carácter bilingüe de la chacarera, cualquiera de los gritos o la letra en sí misma puede ser en castellano, en quechua, o alternarse. Una vez acabada la introducción musical, aparece el segundo grito: “¡Adentro!” (el cual inicia los movimientos y el canto).

• Pasos
  • Avance y retroceso: la pareja da dos pasos hacia adelante y dos hacia atrás, haciendo castañetas con ambas manos, con los brazos casi totalmente extendidos sobre las cabezas. Este primer movimientos dura 4 compases.
  • Giro: La pareja da dos pasos hacia adelante, llegando prácticamente hasta el centro, y vuelve cada integrante a su lugar con otros dos pasos. Este movimiento dura 4 compases, y dura, junto al “avance y retroceso”, todo el canto de la primera copla.
  • Vuelta entera: La pareja da dos o tres pasos hacia adelante —dependiendo que esta parte dure 6 u 8 compases—, dejando el centro libre, y vuelve cada uno a su sitio, también dejando el centro libre y sin darse nunca la espalda. Ocupa el interludio instrumental en el que no se suele cantar. Dura de 6 a 8 compases.
  • Zapateo y zarandeo: En esta parte, cada integrante de la pareja realiza una coreografía diferente. El varón zapatea, mientras la mujer realiza el zarandeo, un movimiento en el que, sosteniendo su falda con ambas manos de tal manera que parezca un abanico invertido, realiza uno o dos pequeños giros sin darle la espalda al varón. Dura 8 compases, todo el canto de la segunda copla.
  • Vuelta entera: Igual a la primera.
  • Zapateo y zarandeo: Igual al primero.
  • ¡Áhura!: comienza con el grito de “¡Áhura!” (sic por “ahora”). La pareja da primero una media vuelta hacia adelante de cuatro compases. Después realiza el “giro y coronación”, que ocupa los últimos 4 compases de la “primera”. La pareja da un giro de tal forma que ambos quedan en el centro, y el varón “corona” simbólicamente a la mujer, acabando con sus manos sobre la cabeza de ella. Es la última parte cantanda de la “primera”. Después, la pareja aprovecha la pausa y el comienzo de la introducción de la “segunda” —que es avisada de manera análoga a la “primera”, esto es, mediante un grito de uno de los músicos—, para retroceder hasta una distancia análoga a la del comienzo de la danza. wikipedia
  
  
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Chacarera

La chacarera es una danza que se baila en el norte argentino. Se ejecuta tradicionalmente con guitarra, bombo y violín, aunque modernamente se admiten formaciones instrumentales muy variadas. Puede haber chacareras cantadas —son tan tradicionales tanto las cantadas en español como en quichua santiagueño, y también hay versiones bilingües—, o sólo instrumentales.
Es bailada por parejas que danzan libremente (pero en grupo) con rondas y vueltas.
Rítmicamente, se entendía que era una danza en compás de 6/8, aunque modernamente hay quienes sostienen que es una danza birrítmica, con una melodía en 6/8 y una base en 3/4 —el músico y educador Juan Falú (1948) defiende esta postura—, mientras que otros —como los músicos y educadores Adolfo Ábalos (1914) e Hilda Herrera (1933)— sostienen que es una danza monorrítmica, en 3/4. Este particular juego rítmico de la chacarera (entre compases binarios y ternarios) es compartido por otras danzas folclóricas argentinas, como el gato, el palito, etc. wikipedia

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Cifra (música)

En Argentina y Uruguay se llama Cifra a una especie de melodía tradicional con acompañamiento que se asocia con textos generalmente improvisados.
Se denomina cifra a las canciones cuyo texto improvisan dos ejecutantes en competencia; a las canciones que entonan alternadamente dos participantes o más, en base de coplas improvisadas o hechas; a las canciones del ejecutante solo que improvisa sobre un tema solicitado por su auditorio. Pero la cifra por excelencia es la canción de los payadores que improvisan en oposición. La forma en que este canto interrumpido se compagina y enlaza con los rasgueos o punteos de la guitarra es lo más característico de élla y, curiosidad única en los cancioneros americanos. De hecho, el canto dialoga con la guitarra. Una serie de acordes rasgueados hace las veces de preludio. Cuando el cantante alza la voz, la guitarra enmudece. Concluídos uno o dos versos, irrumpe de nuevo el rasgueo o alguna nota grave punteada a manera de breve interludio y así, corre la estrofa hasta el final. No habiendo medida para los interludios ni cuenta para las repeticiones de versos, la forma es más o menos libre. En los mejores tiempos de la especie, se usaba como enfrentamiento de dos cantores para cambiar agudas preguntas o respuestas en estrofa. Mientras rasguea el preludio inicial, el payador piensa su primera pregunta y, lanzado a entonar los versos, se interrumpe e interludia tanto cuanto necesite para continuar pensando en la idea o en la versificación; sigue así hasta completar su pensamiento y la estrofa. En ese momento su contrincante recoge la estrofa de la pregunta e inicia su respuesta del mismo modo. Un improvisador es tanto más hábil cuanto menor sea la cantidad de repeticiones e interludios que requiera para versear. wikipedia

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en la segunda mitad del siglo XIX

También en la segunda mitad del siglo XIX aparece en el Nordeste el chamamé (aunque recién adquirió este nombre en los años treinta), como resultado de la fusión de los ritmos que llevaban consigo los inmigrantes alemanes, alemanes del Volga, polacos, ucranianos y judíos, principalmente la polka y el shottis, con los ritmos ancestrales de la región, provenientes de la cultura indígena guaraní y de las tradiciones afro-rioplatenses. El chamamé y el purajhei o polka paraguaya, serían el eje alrededor del cual se estructuraría la música litoraleña, como una de las grandes ramas de la música folclórica argentina. Al igual que el tango, las danzas litoraleñas adoptaron una coreografía de pareja enlazada con libertad para los bailarines, que se realizaban en bailantas populares. Desde entonces el término «bailanta» se extendería por todo el país para designar los bailes populares.^[43]
A las últimas décadas del siglo XIX corresponden payadores famosos como el porteño afroargentino Gabino Ezeiza o el santiagueño José Enrique Ordóñez (el Zunko Viejo). Por la misma época el circo criollo —aparecido en la década de 1840—, además de dar nacimiento al teatro nacional, solía incluir números de danzas folclóricas. wikipedia



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Durante la inmigración europea: tango y folclore

La gran oleada inmigratoria sucedida entre 1850-1950, principalmente europea (mayoría italiana), que influiría decisivamente en la composición de la población, produjo algunos cambios decisivos en la música popular argentina, principalmente en la música del litoral, apareciendo formas nuevas como el chamamé moderno, y en especial el tango.
Desde entonces, tango y folclore aparecieron como formas diferenciadas y hasta encontradas de la música popular argentina. El tango se identificó con la música «ciudadana», mientras que el folclore quedó identificado con la música rural. En esta confrontación, durante varias décadas el tango se instaló como la música popular argentina por excelencia, postergando al folclore, que permaneció aislado en los ámbitos locales de cada región.^[40]
Durante éste período aparecen algunos estilos fundamentales del folclore argentino, como la chacarera, la zamba, la milonga campera o simplemente milonga (décadas antes de la milonga ciudadana) y la arunguita.
La chacarera (danza del Chaco) parece haber nacido a mediados del siglo XIX, en Santiago del Estero (la leyenda dice que nació en Salavina), pero su origen histórico se desconoce. Corresponde al área que se extiende desde el centro de la Argentina al sur de Bolivia, extendiéndose también por el territorio boliviano y paraguayo perteneciente a la región del Gran Chaco. La primera versión musical la daría Andrés Chazarreta, recién en 1911.^[41]
Para fines de la década de 1860 aparece la zamba argentina, estilo nacional argentino por excelencia, diferenciándose de la zamacueca afroperuana —creada en 1824—^[42] y la cueca chilena de las que deriva, ingresadas a la Argentina entre 1825 y 1830 por el norte, a través de Bolivia, y por el oeste, desde Chile, quedando instalada en Cuyo como cueca cuyana y en La Rioja como cueca riojana. La Zamba de Vargas es la más antigua de las que se tiene registro y fue posiblemente la primera en aparecer con las características de la zamba argentina.wikipedia

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el gato

Entre todos los estilos surgidos en este período, fue el gato el que alcanzó la mayor popularidad y se convirtió en el preferido de la cultura gauchesca.^[36] El gato, un estilo vivaz y picaresco, introdujo en la década de 1830, también las relaciones, un tipo de coplas humorísticas que los bailarines recitan al detenerse la música, que también se realizaron en el cielito, el pericón y los aires.^[37] En las décadas siguientes las relaciones se combinarían con el «aro-aro», característico de la cueca, un grito que pronunciaban los asistentes al baile o los músicos, que tenía la virtud de suspender instantáneamente la música, para dar paso a un momento de brindis o relaciones humorísticas.^[38] Esta costumbre de combinar el humor y la música pasaría en la segunda mitad del siglo XIX a la chacarera y el chamamé.^[39]
De esta época data un personaje legendario, Santos Vega, que es el primer músico popular famoso del folclore argentino. Según la leyenda, Santos Vega era un payador tan extraordinario que se atrevió a payar con el diablo, luego de lo cual desapareció para siempre, sin que volviera a saberse de él. wikipedia


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Intérpretes del calipso

Los intérpretes y compositores de calipso que han estudiado la cultura musical de Trinidad y Tobago memorizando sus ritmos y estructuras tradicionales para incorporarlas a su música son conocidos como calypsonians. La creatividad de algunos de ellos hace que sean capaces de improvisar un calipso a partir de cualquier tema, llegando a competir entre ellos en sesiones ad hoc realizadas durante el carnaval de Trinidad y desde la década de 1950, en competiciones organizadas.
Los calypsonians más importantes del siglo XX son Lord Kitchener, Roaring Lion, Lord Invader, Mighty Sparrow (en Trinidad y Tobago) y Walter Ferguson (Panameño nacionalizado Costaricense). wikipedia

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